Parcours et démarche artistique

 "J'aspire à l'éternité parce que j'y rencontrerai
les poèmes que je n'ai pas écrits
et les tableaux que je n'ai pas peints."

Khalil Gibran, Le sable et l'écume (1926)

Artiste dans l'âme...

Française de nationalité et de coeur, je suis née à Angoulême, patrie des Valois, en 1970. J'espère mourir jeune... le plus tard possible !

Artiste professionnelle résidant à Paris, je peins et dessine depuis l'âge de sept ans. La création, quelles que soient ses formes, a toujours été ma passion. C'est aujourd'hui devenu plus que cela : une raison de vivre et un leitmotiv permanent.

Etrangement, c'est la poésie qui m'a donné la passion des couleurs... puis l'envie de m'exprimer librement par le dessin et la peinture : Charles Baudelaire, Théodore de Banville, Alphonse de Lamartine, Victor Hugoet plus tard John Keats, William Blake et autres poètes romantiques de la seconde moitié du 19ème siècle...

 "La Nature est un temple où de vivants piliers
Laissent parfois sortir de confuses paroles ;
L'homme y passe à travers des forêts de symboles
Qui l'observent avec des regards familiers.

Comme de longs échos qui de loin se confondent
Dans une ténébreuse et profonde unité,
Vaste comme la nuit et comme la clarté,
Les parfums, les couleurs et les sons se répondent."

Charles Baudelaire, Correspondances, Les fleurs du mal (1861)

J'étais - et suis toujours - fascinée par la portée symbolique des associations de mots et de couleurs dans l'utilisation savante que faisaient ces poètes de métaphores, périphrases, oxymores et autres images surréalistes. Parmi celles qui m'interpelaient lorsque j'étais enfant : "voir la vie en rose", "espérer des lendemains bleus", "être vert de rage", "rire jaune", "faire grise mine", "partir à l'heure bleue", "avoir le moral gris comme la pluie",...

Romantique, nostalgique, idéaliste, ces associations m'ont d'abord inspiré des poèmes. Puis, combinées à de la musique - notamment classique et jazz - elles ont nourri mon imaginaire jusqu'à me persuader que la peinture, qui permettait de définir la plus large palette possible de couleurs, était, bien plus qu'un art, un langage à part entière, trouvant sa source dans la musicalité des choses ; un langage silencieux, certes, mais qui, contrairement aux mots, ignorait les frontières de la langue et permettait donc une liberté d'expression totale...

A 7 ans, j'ai appris à peindre seule, essentiellement par mimétisme, en feuilletant des livres et magazines d'art, pour essayer de comprendre les bases et possibilités de ce langage. J'ai commencé à exprimer mes propres idées à travers la peinture, à l'âge de 27 ans.

"Cette vie artistique - que nous savons ne pas être la vraie - me paraît si vivante,
que ce serait ingrat que de ne pas s'en contenter (...)
Votre profession, c'est de faire ce pour quoi vous êtes faits.
Et que vous exercez avec une telle passion et une telle intensité,
que c'est comme répondre à un appel sur le plan spirituel."
Vincent Van Gogh

Après de nombreuses années à construire ma carrière professionnelle, sans guère trouver le temps de toucher un pinceau (je suis Directrice Marketing et Web depuis près de 12 ans), j'ai commencé à constituer et exposer mes premières collections personnelles. Je sais, désormais, que je ne pourrai plus vivre une seule journée sans peindre ou dessiner...

Technique : peindre et dépeindre....

A l'exception des collections abstraites, je dessine souvent mes toiles au crayon de papier avant de poser les couleurs, afin d'essayer de respecter les différents volumes, créer une certaine harmonie et "sentir" le résultat final.

Bien que j'aie souvent entendu chantonner : "La peinture à l'huile, c'est plus difficile, mais c'est bien plus beau que la peinture à l'eau", je peins presque exclusivement à l'acrylique.

Plusieurs raisons à cela :

• D'abord parce que cette peinture est totalement écologique et que (ma principale source d'inspiration étant située juste au-dessus de la couche d'Ozone…), je suis soucieuse du respect et de la protection de notre environnement. La peinture acrylique se travaille avec de l'eau, tout simplement, et j'utilise pour vernir mes toiles, un vernis composé à 80% de résine naturelle ; jamais de produits chimiques avec solvants, ce qui est presque impossible lorsque l'on peint à l'huile, par exemple.
   
• Ensuite, parce que la peinture acrylique est souple et agréable à travailler et qu'elle sèche très vite (1 à 3 heures selon l'épaisseur de la peinture sur la toile), ce qui me permet de superposer les couches tant que l'inspiration est encore là !
  
  Lorsque je m'essayais à la peinture à l'huile, la "petite flamme" n'était vraiment présente que lors du passage de la première couche et des premiers crayonnés. Deux semaines plus tard, lorsque ma toile était enfin sèche et que j'essayais de la reprendre, bien entendu l'idée de départ ne constituait plus qu'un souvenir aussi inaccessible qu'un rêve et je ne parvenais plus à saisir l'émotion "originelle", ni à refaire à l'identique mes mélanges de couleurs. Je préfère donc travailler une peinture qui me permet d'exprimer au mieux ce que je ressens, tout en laissant libre cours à l'inspiration fugace et magique du moment...
   
• Enfin, la peinture à l'acrylique me permet de créer une variété de couleurs incroyable. Toutes ont une symbolique particulière à mes yeux ; je les vois un peu comme un poète ou un écrivain qui chercherait toujours "le mot le plus approprié" et non le plus usuel, pour décrire un état d'esprit ou un univers particulier.

S'il m'arrive d'utiliser du gel iridescent pour créer des effets de reflets, je mélange très rarement mes couleurs à d'autres composants (fixatifs, gels, médiums,...) ; j'aime les travailler à l'état naturel, totalement brutes, puis les nuancer en les diluant de plus en plus, pour obtenir un maximum de teintes, un peu comme l'on travaille à l'aquarelle. En effet, j'apprécie particulièrement les effets de lavis, qui confèrent aux tableaux un côté "onirique", irréel, empreint de poésie et de mystère. Comme l'acrylique sèche très vite, ma technique consiste essentiellement à superposer les couleurs en couches de plus en plus légères, de plus en plus fines, pour créer des effets de transparences et de lumière. La dernière étape consiste ensuite à rehausser ces couleurs douces, un peu "fânées", de couleurs plus crues et plus vivantes, afin de créer des contrastes et conférer aux tableaux plus de profondeur.

"Ce qu'est un tableau, je n'en sais rien. C'est ce que je cherche.
Chacune de mes peintures pose la question. Je peux seulement dire
qu'à mon sens un tableau, lorsqu'on le regarde suffisamment,
n'est pas une fenêtre vers l'extérieur, mais une porte qui s'ouvre vers l'intérieur."

Jean-Michel Sanejouand
 

Mes objectifs : émouvoir, faire rêver et s'émerveiller !

En ce qui concerne mes collections abstraites, je peins essentiellement ce que je ressens à la lecture d'un livre ou d'un poème, à l'écoute aussi, la plupart du temps, de musique jazz ou classique.  J'aime plus que tout jouer avec les symboles pour retranscrire mon ressenti ou transmettre des messages, souvent codés...

Dans le mode pictural (figuratif), je ne cherche pas tant à dépeindre une réalité, qu'à faire passer des émotions; notamment à travers des regards expressifs - qui questionnent les personnes qui les observent plutôt que de s'offrir à eux - et une vision "romantique" de la vie, au sens littéraire du terme.

Je ne peins volontairement pas les ombres, ou alors très peu, car - même si cela est tout sauf une technique "académique" -, j'aime à croire que la lumière est omniprésente, qu'elle émane de partout en même temps et prime sur toute autre chose.

D'ailleurs, j'appréhende très mal les ombres et les perspectives. Si les peintres cubistes voyaient leur univers en 3D, moi je le vois "à plat", un peu comme l'on voit ses rêves ; comme si les paysages étaient déjà couchés sur une feuille de papier ou une toile ; comme si l'expression de mes personnages avait été saisie en un clin d'oeil, puis figée dans le temps de façon éternelle, à la manière d'une photographie…

D'ailleurs, je peins un peu comme si je prenais une photo : quand une idée me traverse l'esprit et qu'elle me plaît, j'imagine le tableau terminé, accroché à une cimaise, puis lui associe d'emblée un nom, pour ancrer cette image dans ma mémoire. Il ne me reste plus alors qu'à donner vie à cette "vision" en peignant le tableau.

L'idée de base évolue parfois. Cependant, en règle générale, j'essaie de lui rester fidèle, "la première impression étant toujours la bonne"...

Si j'aime utiliser un arc-en-ciel de couleurs, le bleu (notamment le turquoise) est le fil conducteur de la plupart de mes tableaux. C'est la couleur de la mer, mais aussi celle du ciel, que je ne me lasse pas d'admirer. Ce ciel, je l'aime, car il appartient à tout le monde, bien que personne n'en soit le maître.

C'est un espace éternel, fait de perfection et d'harmonie, inaccessible, mais source d'inspiration permanente ; un espace entre hier et demain, où la liberté prend son essence et l'imagination, son envol.

Enfin, j'aime autant peindre que "dépeindre". Je construis toujours mes tableaux comme si j'écrivais un roman policier : chacun a une histoire dont le public doit chercher la clef et recèle un message particulier. Certains tableaux sont même liés entre eux ; il faut les regarder comme si l'on lisait une trilogie, pour en comprendre tout le sens. En règle générale, les énigmes sont contenues dans les titres des tableaux...

A la manière d'André Gide, je donnerai donc aux amateurs du genre un conseil : "Que l'importance soit dans votre regard, non dans la chose regardée"...

Ma peinture en bref...

• Des couleurs pures, vives, travaillées à l'état brut, avec une préférence pour toutes les nuances de bleu et de vert - notamment le turquoise-, le violet, le jaune d'or, le rose fuchsia, les rouges sombres et la terre de Sienne. Aucun ajout de gesso, medium, diluant, retardateur, fixatif,... j'utilise la peinture à même sa sortie du tube, avec un minimum d'eau, excepté lors des finitions ;
   
• Une peinture travaillée soit en une seule couche très épaisse (collections "Vertiges chromatiques", "Evanescence", "Evanescence 2"...) soit, au contraire, en superposition de nombreuses couches très fines, posées comme autant de voiles sur la toile (collections "visions célestes", "Univers de muses"). Dans le premier cas, la peinture est travaillée à l'état brut, sans eau, sans aucun mélange. Dans le second, au contraire, le travail se rapproche davantage de l'aquarelle où chaque nuance a son importance, l'objectif étant de créer des effets aériens, vaporeux, oniriques, diaphanes...;
   
• Une peinture à la fois énergique, instinctive, instantanée, presque "automatique", faisant une place importante à la gestuelle, au mouvement (ex : collection "Vertiges chromatiques") mais aussi "sensible", basée sur la recherche de l'émotion, de l'émerveillement et de la réflexion (collections "visions célestes" et "Evanescence") ;
   
• Un travail des ombres presqu'inexistant, car j'aime à croire que la lumière est omniprésente, émane de partout en même temps et prime sur toute autre chose ;
   
• L'utilisation et la mise en avant de nombreux signes, codes et symboles (noms des titres, formes et associations de couleurs,...) car ma peinture est porteuse de messages. J'utilise aussi régulièrement le nombre d'or pour construire certains de mes tableaux, plus particulièrement la spirale d'or ou "spirale de Fibonacci" qui me fascine car elle est, à mes yeux, la forme visible de la "source" de toute chose... ;
   
• Des tableaux faisant tous partie de collections thématiques ayant toutes une histoire. Ainsi, à la manière de trilogies, la signification d'un tableau se comprend souvent après avoir vu toute la série, car chaque toile en appelle une autre, ce qui m'amène à qualifier mon travail de "peinture à clefs".

Copyright textes : E. Bousquet - Reproduction, même partielle, interdite.

Découvrez une partie de ma collection "Visions célestes" :

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Source musicale :
Jean-Sébastien Bach : "Concerto pour violon et orchestre No. 2: Allegro"